香港週 2015｜戲曲與戲劇的未來發展──香港著名舞台導演毛俊輝專訪

作者香港週 2015

日期03.09.2015

往返台港兩地，不時會感受到一些生活上的差異，例如某天在香港公司準備下班，同事問我週末有什麼計畫，那時正逢香港藝術節，我就說準備去看場話劇表演，同事當下回以一個似笑非笑的眼神，嘆道：「哎，還真是個文青。」雖然「文青」至今仍然沒有明確的定義，但感覺在香港普遍上班族的眼裡，忙裏偷閒時會想往劇場跑的人就必定會被歸類為「文青」。

不知道從何時開始，人們和劇場之間彷彿隔著一段曖昧的距離，普羅大眾漸漸將劇場視為可遠觀而不可褻玩的空間，脫離了日常生活的軌道，成為非特殊日子不會踏進的領域。如果照這個心態發展下去，劇場發展的前景就令人擔憂了，畢竟表演藝術的本質是以人力為主，在缺乏資助的狀況下，門票收入根本難以支付開銷，如果觀眾來來去去都只是小眾人群，那就是雪上加霜了。

對劇場工作者而言，這還不僅僅是門票的問題，因為沒有觀眾就沒有演員。「演員除了要把自己的基本功做好，最重要的就是要接觸到觀眾。如果沒有新的觀眾跟你一起走這段路，你的前路就是不明朗的。」著名舞台導演、戲劇教育家、港台文化合作委員會召集人毛俊輝如此說道。

在香港戲劇界被譽為「教父」的毛俊輝，於上海出生，香港長大，父親上海人，母親廣東人；成長的環境奠定了他在南北語言上的基礎，也間接造就了他樂於接納各種新事物的個性。他自幼便醉心於戲曲和戲劇，並在 1968 年赴美修讀戲劇藝術碩士、1976 年首次在百老匯演出《太平洋序曲》，然後於 27 歲時當上美國加州拿柏華利劇團的藝術總監。他於1985 年回到香港後開始在香港演藝學院任教，門生包括黃秋生、張達明、詹瑞文等。他特別擅長將傳統戲曲與現代戲劇結合，作品也非常廣泛，包括原創音樂劇《情話紫釵》、新創京劇《慈禧與德齡》、改編及執導粵劇《李後主》新版本等。

身為港台文化合作委員會的召集人，連續四屆積極推動「香港週」，他希望藉著這個平台能讓兩地的文化可以不受限制地交流，「開始的時候，我跟委員會還比較保守，只想做我們理想中的『香港週』，但漸漸發現這樣是固步自封，應該要大眾化，如果沒有一個大眾化的接觸面，再好也做不下去。就像戲曲，早年京劇在高峰的時候為什麼能那麼成功？不是因為它的規矩和保守，而是它能 “reach the society” （接觸社會）。」

但劇場究竟該如何做到「大眾化」？一提到大眾化，我腦海裡聯想到的就是電影，而近年來戲劇表演確實有往映畫方向發展的趨勢，將舞台錄像搬上大螢幕，也成功吸引了一些平常鮮少到劇場看戲的人群。對於這樣的發展，毛俊輝覺得：「電影和舞台終究是兩門不同的藝術，例如我那齣原創話劇《德齡與慈禧》也有錄像，但我覺得那些錄像不能完全代表這個戲，除非是真的把劇本用電影的角度和手法重新整理，轉化成電影作品，例如林奕華的舞台劇《華麗上班族》，現在由杜琪峰拍成電影。今天戲劇的價值是在舞台上，那就真得要在舞台上演出。不過，我不會因此否定錄像的價值和影響力，英國也有很多舞台劇是直接攝錄下來在電影院播放，他們也在一個嘗試階段，我看了幾齣，有些很成功，有些還在摸索。我唯一不贊成的，就是看到電影的收益多，便把重力放到錄像上，這樣就否認了 LIVE performance 的價值，是很傻的事。」

當藝術發展到成熟時，難免就會跟商業糾纏更深，無論是台灣或香港，藝術文化與商業利益之間的爭辯也從來沒停歇過。對於這一點，毛俊輝認為成功的藝術就應當有它的價值，只要出發點是為了做好一件事、一場戲，自然就會受歡迎，「把作品做成功了，商業上也會成功，這是必然的。但我最討厭別人在動腦筋的時候，第一個想到的問題就是『怎麼可以賺到錢』、『怎麼做噱頭』。我排戲的時候曾跟不同明星合作，像是《杜老誌》就是跟劉嘉玲合作，可是我從來不會因為某人的名氣而叫他們幫我演戲做噱頭，而是一定要他們願意做這個戲。劉嘉玲排我的戲從來沒有請過假。其實劇團很單純，如果明星真要『擺架子』或是臨時更動行程什麼的，我們也沒能力阻止，但他們就是對這齣戲有了承諾。」

商業性的味道還會展露在劇場設計上。持份者為了確保未來的收入、維持營運經費，難免會陷入劇場愈大就愈有保障的迷思。「我們這些多年來在表演藝術圈裡的人，並不認同『劇場就是要大』的看法，其實看戲的享受是有標準的，就是觀眾看著台上的人，再遠的距離，還是要看到一個人完整的比例，那樣才能看到『戲』。如果觀眾看到的人只有一個芝麻般的黑點，或是只能靠現場螢幕特寫，那就不對了，演唱會或許可以，但戲劇和表演藝術要看的是演出者。」同時身為西九文化局管理局成員的毛俊輝說。

大眾化的另一種呈現方式，就是在表演的內容上要有現代感，其中以傳統戲曲最考驗製作團隊的心思和經驗，因為傳統戲曲有很多的規矩，從板眼、音樂、行頭，到演員的身段、唱唸都要照規矩走。毛俊輝的話劇《德齡與慈禧》在北京上演後，就收到北京國家京劇院的邀請，有意將戲改編成京劇，並由國家一級演員袁慧琴飾演老旦。毛俊輝在指導排戲的時候，特別強調傳統美感以及現代精神的尺度拿捏，「我跟他們說，這不再是話劇，不用強硬地要把話劇的元素做出來，這個戲既然改變成了京劇，就要好好發揮戲曲的特色，唱、唸、做、打。但這個戲的精神是話劇的精神，它有現代的意識在裡面，那些人物不是古典刻板的人物，而是有現代人的衝突矛盾、內心慾望和理念衝擊，這些現代人物的精神，一旦欠缺了，就不『活』了。而只要調節好，就能在京劇裡帶出現代感。」

說到傳統戲曲，演員的傳承往往會比現代表演藝術要困難些，毛俊輝在 2014 年為香港西九龍文化區策展名為「西九大戲棚」的盛大匯演，呈獻多齣文武兼備、名角雲集的戲曲表演，不僅還原了古早野台戲的風味，其中令人印象深刻的就是新秀比賽的環節，這種競賽性質的演出在香港戲曲界是極少見到的。「初步構思的時候，我到處邀請粵劇界的朋友來支持，他們都說：『不行啊，我們不做這種事，大家不喜歡的，怎麼能說輸贏，傷和氣。』我就跟他們說，如果年輕人沒有競爭的心態，怎麼做事？這幾年，年輕的一輩演出的機會雖然不少，但是如果不鼓勵、不刺激他們，就會很容易安於現狀，稍微受一點歡迎就會很容易自滿。藝術就是這樣，很可恨的，你一旦不向前進，就勢必會退步。」

逆水行舟，不進則退。這幾年在香港和台灣，表演藝術者不斷嘗試突破自身，無論是戲劇、戲曲、音樂、舞蹈，他們都在持續推動表演藝術往前邁進的齒輪。香港方面像無極樂團藝術總監羅永暉的「意境音樂劇場」，從作曲的範疇跨越到音樂表演的呈現手法，開創出一種集合視覺、聽覺和劇場元素的創新綜合表演形式；又如城市當代舞蹈團創辦人兼藝術總監曹誠淵，1979 年創辦城市當代舞蹈團至今，不但與不同範疇的藝術家合作，在舞蹈作品上推陳出新，更設立了舞蹈中心，提供舞蹈課程及外展節目，為香港的舞蹈愛好者提供創作空間和演出資源。

而在台灣，無論是藝術大學，或是在國光劇團、無垢舞蹈劇場、雲門舞集等劇團，每年都會推出一場又一場令人翹首以待的新作。看著港、台兩地的表演愛好者在表演藝術的發展以及培訓上長期耕耘，也印證了毛俊輝所說：「這真的不是一、兩個說了就算的事，而是一群人的事。要透過交流，去學習更多東西，最重要是學習怎麼讓更多的人有機會參與，這才是最有用的，絕對不能是『一言堂』。」

表演藝術的未來藍圖還需要更多人的關注與投入，方能令每個人的人生劇場更實在、完整。