在刮磨與斑駁裡思考永恆，汪正翔《餘燼》：用攝影超越傷心
[ 文｜黃以曦 ]
汪正翔的《餘燼》，並不是一個攝影展，而是一個攝影作品。作品包含了三個區塊，一是創作者在 2003 年家族旅行途中以數位相機拍下的照片，一是十年後創作者對著電腦螢幕上這些照片的翻拍，一是去年（?）以擴視機對翻拍影像進行的拓印。
旅行結束多年後的今天，創作者已失去了那個家，是心理也是實體意義上的，是瞬間解離的也是緩慢但確鑿剝落的。這是《餘燼》的感性核心—當照片作為一種在場（presence），在場，是否真是可封凍的？當一個存在（比如歷史、比如記憶）被覆上新的凝視，新的存在是否將取代舊的存在？還是它們將共構一處名之為時間的漠然（indifferent）場域？永恆的在場，是否抵得住歲月滄桑？還是永恆本身，正是滄桑？
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全幅投影的旅行照片，每一張都可以清楚指認陽光空氣花和水，人們笑著，鮮活而無畏，無一點意識到正籠罩前來的封包。故事將會停在那裡。整批照片在空蕩展場循環播放，那麼鬼魅，那種無法閃躲的多愁善感所帶來的不祥。
由此，橫擺在桌上一幀幀對此些照片的翻拍照，那個收束的斷然、抹去情緒水流的抽象，似乎將整件事驟然懸起。但真是這樣嗎？
若非作品說明，觀者不易辨識翻拍是取自正播放的旅遊照片。創作者介入以特定光源、拍攝角度和積存於螢幕的各種塵屑以及反光，整組翻拍有種遍佈刮磨的斑駁。
當尋常的家庭照讓人可直接跳進情節，毫無警覺框外的凝視者、記錄者，滿載人為痕跡的這組翻拍，則不但標誌了凝視者的存在，且提示了富有重量的純然情緒——為什麼非這樣看這些照片不可？為什麼非這樣對待這些照片不可？那麼用力的阻絕手段，是對數位照片所塑造的永恆假象的反動、還是對於曾經或仍然相信永恆的自己之某種自我懲罰式的提醒？
然後，是對此些翻拍的拓印。彼些漶動、模糊、斑駁，被繼續截去絕大部分的生命，剩下一些輪廓。白紙黑點，行列地，浮貼牆上。沒有色調漸層，沒有厚度，非關構圖。仔細看，有幾張甚至是另外幾張的轉了個方向、放大或縮小。曾經任何一個細節都要牽動歷史改變未來的真實場景，在最後的最後，竟可以綿密無縫地遞接到這樣一步。人生啊。
但真是這樣嗎？
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對我來說，汪正翔的《餘燼》是超載而悚然的，與其說是對於「最後的家族旅行」這個場景的入戲與悲哀，不如說是對於「創作者要建構一處場域，在那裡，他將可以勝任『最後的家族旅行』這場景」，這樣的場景，的入戲與悲哀。
像是倘若我能對那些陽光太好笑容太亮的時刻，引入歪斜黯淡的光，刻鏤怪異的跡痕，我就可以成為記憶的主人。像是倘若我終究能讓彼些日子、所有日子，成為一筆筆無所謂意義的墨色，則變異的現實、凋零的身體，於我將不再可怖。我是一個創作者，創作可以創造任何一種超越。包括傷心。
可只是必須要這麼用力超越的傷心，到底是怎樣的傷心？
展期｜7/7 ~ 7/21
地點｜多角藝術（臺北市中正區廈門街42號2樓）
黃以曦
作家，影評人，著有《離席：為什麼看電影？》、《謎樣場景：自我戲劇的迷宮》
